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梁朝伟讲自己最喜欢的电影是《公民凯恩》、《魂断威尼斯》与《十诫》真当一点也不奇怪，因为它们恰巧代表电影的三个组件：故事、美感与人性。结果有三位导演助他成就完美的艺术电影蓝图，他们分别是：李安、王家卫与侯孝贤。—— 叙事节奏缓慢，配乐和氛围营造唯美，导演很经常用移动变焦镜头，……。 |
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从现代电影的角度看可以剪辑得更紧凑些，但原作已让人目眩神迷——就像一块晶石，从不同的晶面上可以折射出哲学、美学和爱情的各种光辉。少年有种吹弹即破的美，无关情欲而让人心折。这不只是一部同志电影，而是人类对美的追逐与爱慕。可恨的是那种美甚至无需经过后天雕琢——它就在那儿了... |
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音乐家对少年只是情欲上的依恋吗。。我想未必，他最后伸出手想去抓住的是他对于不羁的天然的年轻的美的追求和渴望，因为他之前缺少这种越界的邪恶感，他害怕平庸可是却不敢逃离平庸，这个男孩是他内心不敢释放的原始欲望，而他却在这种美的对比下愈发绝望最终死亡，风景画一般的电影啊，飙泪鸟。。 |
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有些美是值得为之死去的... |
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很奇怪的电影。我觉得它根本不是现代意义的同性恋电影，倒像是回答艺术是什么的一个哲学电影，它指向美、爱、死亡，可仍然是谜。少年美如圣塞巴斯蒂安。他的眼神和意识感知真特别。 |
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【SIFF胶片版】1.乍看是忘年同性恋+柏拉图式爱情，实则延拓至对艺术与永恒美的执著追寻。2.理性与感性交锋的3段对话颇具洞见。3.维斯康蒂大量运用变焦推镜与运动长镜，横摇+快推模拟人眼扫视。4.冷寂萧索的威尼斯图景似[威尼斯疑魂]。5.马勒古典配乐极具代入感。6.沙漏念想，海滩远景长镜。（8.5/10） |
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“感君一回顾” |
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基本上算是没有剧情只有眼神，马勒交响曲超长MV。但，这个“世界第一美少年”真的不是浪得虚名的，美得让人甘愿只为多看他一眼而死去 |
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梁朝伟最爱的电影。维斯康蒂这一部完全放弃了叙事啊… |
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被疾病慢慢侵蚀生命的音乐家阿申巴赫，来到霍乱流行的威尼斯。周围的一切似乎都了无生气。船上的老人，船夫，旅馆的经理，每个人看起来都像是死神派来的恶魔，他们纷纷引导阿申巴赫去寻找死神之所在。但真正引导他走向死亡的却是那个绝美的塔契奥，那个代表现实美、自然美以及美的诱惑的美少年。他美得那样完美无缺，美得如同幻影，美得让这个音乐家一生追求的艺术都相形见绌，但这是不同年龄世界的美，确切的说，只有青春的光华才可以接近它。阿申巴赫为了能够在生命的弥留时光抓住这最后一丝霞辉，像木偶一样任凭别人为他染黑了头发，涂红了嘴唇。 |
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世上最美的美少年 虽然我很反感那个中年秃顶的作曲家 但是对于这部电影还是喜欢的 |
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带着爱情片期待看了大半场，当那场失败的演奏出现时，终于意识到在讲什么。少年的脸，海浪波光，求而不得的青春顿时变得残忍，年老和创造力衰竭是最终躲不开的瘟疫。 |
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大师就是闷 |
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2025-12-14重看。被瘟疫吞噬的威尼斯是衰朽躯壳的外化，在夕照和烛影里追逐，在狂热中发出爱的叹息，待片刻的清明时分却惊觉死亡的臭味早已侵入熙攘的城市，他跌跌撞撞地徒劳伸手捕捉青春的幻影，涂抹假饰的染发剂如鲜血覆盖住提早死去的身心，他所追逐的美神雕塑实则是心知永远无法跨越的突破平庸之纯粹，他纵容自己沉溺是因为“异域”提供了超出日常经验的可能——“你的肉体只是时光，不停流逝的时光/你不过是每一个孤独的瞬息。”
视线的游弋转腾化为肉身在小巷街道的漫游，精神则从痛苦的记忆碎片中挣脱出来，他不再逃避，放任自己以白面朱唇的假面去迎接死神的收割，这是肉体的坍塌，也是艺术在美学维度的致胜；马勒的配乐完全契合情感曲线，初次互相对视的时刻，音符如初开的小花，渐至徐缓，终至苍莽辽阔，归于消亡。 |
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两个小时的电影，一直只有一个失魂落魄的男子长长的期许的目光。从陌生到炙热到缠绵。那白肌朱唇的男孩不解地一遍遍回眸。没有一句对话和交谈，但我想他们已经在彼此漫长的目光里，认识了一生那么长。 |
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在Dirk强大的眼神戏面前，美少年只是花瓶 |
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那少年美的像从油画里走出来的 看见他我突然想起那句“此人只应天上有，人间那得几回见？”落魄颓废了的作曲家见到了自然之美 人体之美 青春之美的集合体 在光阴洒落的海边走向归寂 |
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这小伙漂亮,也只有漂亮而已.对我来说,明显杀伤力不够~并且长大后实在是太不堪了~(对我而言= =)......岁月呀岁月~蹉跎呀蹉跎~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~~ |
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这是部奇妙的有着和原书一样节奏和韵律的电影，但却少了原著里我最为喜欢的阿申巴赫无望的清醒。马勒很美。 |
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其实和同性恋没什么关系，这是维斯康蒂、帕索里尼们厉害的地方，不回避同时可以超越性向的去审视情感与美。就这么一路拍男主角走走停停，居然并不觉得困乏，这不是一般导演可以做到的。 |
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一部关于“视线”的电影，一部可以称得上是所有艺术家的精神自传的伟大作品（当然也理应是维斯康蒂自己的）。以同性故事的面目出现，讲的其实是一个美学甚至哲学问题：人间从来就是炼狱，但哪怕如此，人还是会在炼狱里追求美，奉献自己的生命也在所不惜。美则不会死亡，它会在瘟疫肆虐的人间永生。室内摇镜登峰造极，主客观视点游移极其精妙。闪回里的信息非常关键，也通过这种方式在文学和影像之间做出极好的平衡。托马斯·曼的挣扎辩证，见于《破格》。 |
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犹如误听了塞壬歌声的迷航水手，阿申巴赫对塔奇奥与其说是爱情毋宁称其为对美极致的追求，而海滩上的塔奇奥和他的姐妹及母亲一起构成了类似阿尔贝蒂娜与其他少女所形成的符号序列，镜头总是先给到她们而后才落到塔奇奥身上，阿申巴赫从未得到却在不断地失去他/他们，唯有死亡才能终止这种可怕的失去。比较可惜的是，原著小说中那百转千回的心理描写在电影中只能被折叠起来委身于阿申巴赫那无言的眼神里，即便后者再丰饶多情，也失掉了许多文字所特有的韵味。#BJIFF2019# |
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现代艺术是什么？是瘟疫，是恶之花，是俄尔甫斯不能回头直视的妻子。美是一场瘟疫，就像暮年维斯康蒂那极端单调运镜和泛滥的马勒，如此病态，和阿申巴赫一样的病态。 |
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一个娶妻生女的男人，丧女后抛下妻子，独自来水城疗伤时，能赌上性命迷上一个美少年……哪怕对艺术、对纯洁的年轻的美有若干讨论做理论基础，但看上去，这种一厢情愿的迷恋非但显得荒唐，而且染上了恋童癖与跟踪癖的气息。再说，在少年明知故犯的进退“勾引”中，真找不到一丝干净与纯洁。这种所谓“希腊雕像般的容颜”太人为太世故甚至太狂妄太残忍，还不如海景与闲情有吸引力，但当岁月老去，城市沦陷，看Gustav小丑般地装裱自己的葱茏，然后墨色的染发剂汗般划破脸皮的假象，也为这种油尽灯枯的惆怅和落寞感伤一瞬。两星半。@北影节，科技馆 |
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维斯康蒂一生黑啊，找Dirk Bogarde来演咸湿老阿伯也不能让人减轻对男主角的厌恶，老了就好好做个银狐，染发干嘛，作死。 |
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大师就是闷。。。 |
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第一部维斯康蒂，绝对的大师手笔。这个能用一句话概括剧情、充满心理描写的故事，竟被如此熨帖地用影像呈现出来。
台词极为俭省，运镜极其沉稳，拍的是暗流涌动的情绪，外在表现为视线的汇聚。绝美的摄影不仅对准风景，更对准面庞。缓慢变焦推镜和摇镜展现出古典的魅力，这种反复出现的视觉段落使情感不断升温。同时音乐烘托出作曲家复杂的情绪：痛苦、纠结、挣扎、折磨、兴奋、自省、压抑。那些直截了当的闪回或幻想，其效果也是直击人心的。啊，这场难以启齿的、不被伦常所容的盛大的爱恋啊。
这段禁忌之爱最令人心碎之处在于，它不仅是注视——不断的注视乃至对望，更是跟随，走进注定的幻灭，也走进精疲力尽的死亡。关于艺术与人生的辩论，“智慧、真理，人性尊严”，在激情面前都不值一提。超越了言语的美，是危险甚至是罪恶的。#BJIFF9# |
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pure beauty 和 自己impure desire之间的强大张力。说实在的，我觉得不应该一直用马勒的交响曲，在主人公挣扎的时候应该留点空间出来。另外作为一部长镜头打底的电影，多数场面调度很平庸。 |
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所有认为这是钙片的，都是完全没看懂，是在玷污这部电影。维斯康蒂已经完全和现实主义背道而驰，进入了更加形而上的领域去探寻美。整个影片不像是一个具体的故事，而像是一则形式主义的寓言，充斥了大量对美的探讨。美少年可以说是没有性别的，他代表了一种抽象的、更高的美。而最终的死亡，更像是一场主动选择的仪式，所谓“朝闻道，夕死可矣” |
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发现Tadzio（美的象征）的那刻，Gustav若无其事，音乐突变，接着一直郁郁寡欢的他才“回”到了当下的世界，听到人群交谈的声音，不再吵嚷，而是热闹愉悦的，每次与Tadzio的对视都让他把目光放向周围和人群；专注和敏锐让他发现了美，也发现了疫病的征兆。
无情的维斯康蒂用惨白的妆容让濒死的Gustav变成了可笑的小丑，而Tadzio（美）得以不朽却是因为ta如音乐般含混而神秘。
就如Gustav和友人争论的，美是预先存在的。那我们无需创造，只需捕捉，因此最后海滩上留下的除了Tadzio的身影，还有一台相机
时间如沙的比喻，又想到了契诃夫：“生命过得真快啊，可我好像还没生活过” |
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一篇散文，阅读中随着主人公陷入了迷恋与追忆之中。在波光粼粼的海面上，是美与悲伤。 |
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那个有着天使脸庞的塔奇奥~~ |
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#SIFF2016#在大银幕前热泪盈眶。审美即出自本能 而对美的小心呵护不去惊扰却是难能可贵。一面云淡风清而另一面却早已历经千般酸楚 如此丰富绵延深沉无望的爱意与悲喜交替的微妙心绪在私密的窥视视角下更添其悲壮之美。海滩长镜真叫人意乱情迷。直至死亡我的视野里都只有一个你。 |
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这是爱情的最高境界吧！不为了占有，而只是为了能够在共同的时空中，同存短暂的一刻，只要你在我视线所及的地方，让你占据着我的心。太高级了。 |
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睡过去了 |
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我要攀登顶峰的顶峰 / 我要再看一次日出 / 我要看尽上帝许下的福地 / 直到把眼睛看倦了为止 / 然后让白白的雪花把我埋葬 / 我的坟墓上写着 / 这里没有埋葬什么人 / 然后 / 再然后 / 就让它去吧（易卜生） |
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在对美的追逐中寻找认同与投射，少年在海滩上的戏都很好看，随性自由，几次的眼神交汇都拍得并不重复，高招的电影。 |
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8/10。维斯康蒂利用调度的精彩组合展开对欲望的凝视，移镜代表了人物目光缓慢的移动，古斯塔夫经常是独自坐在某处，疲倦地思考或目光追随塔奇奥的回眸，少年的行动充溢着活力，这更衬托出古斯塔夫化妆后面容苍白、嘴唇鲜红那欲盖弥彰的衰老迹象。威尼斯闷热骚动的风，感染倒下的人，小丑为宾客们唱起淫词艳曲，一声声讥笑着花园里朱门酒肉臭却不知实情的贵族，烟火席卷了污秽河道旁的喷泉，古斯塔夫黑暗的生命却突然被点亮，忘我地跑到少年房门前，游魂般在街道尾随，正面相遇时张皇地躲在一边，这些看似病态的行为所隐喻的正是美的线索，从灵魂的瞻仰到迈向死亡的肉体接触：少年和游伴在污泥上扭打成一团，刺激着古斯塔夫灵与肉的激烈斗争，他拼尽全力想握住少年指向远方的手，一条恐怖的黑汁流下额头，这种与现实有距离感的美虚弱、短暂，如海市蜃楼。 |
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开篇即导向悖论，古斯塔夫以一种反向运动的姿态到来，沦为沟通失效的被孤立者，同时又在新的吸引下成为飞蛾扑火的囚徒。过去的记忆和梦境想象对现实的冲撞，以及神秘的瘟疫皆是对恐惧的外化。摄影机的推拉摇移提供了一种坚实可靠的观察维度，在周遭环境的无形隔阂下唯有投向达齐奥的视线是含情的注视。达齐奥是美的实体，艺术家对美与道德的指涉是本我与超我之间的精神官能冲突，古斯塔夫到死捍卫自己至纯的追求，然而这一悲剧性的收场很快地便融入了这座城市无边际的“美”中，不见踪影。 |
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＃CC＃改編自托馬斯·曼同名小說。维斯康蒂把原著的作家换成作曲家。耽迷于美少年塔齐奥［令人想起希腊艺术极盛时代雕塑品］的官能美中。源于他恪严的道德准则，与友人辩论美的堕落论时他说，大众的审美共性是表象的，但在生命力渐渐衰退时，他竟也有了重焕青春的渴望，其实这是一种蛮悲凉的心境，瘟疫的热风如死亡诗篇宏伟而伤感的穿行其间。美是带有［腐蚀］性的，给塔齐奥镀上了一层岁月感的铜绿。
影片音乐用了古斯塔夫·马勒《第五交响曲》中的［柔板］，不同凡响的是，这段旋律自始至终都不是装饰性的，构建出的纯视听情境，让你进入人物内心，就像全片里作曲家唯一的笑容，出现在他得知要滞留威尼斯时，站在船上，我们看着他的脸，感受到复杂的印象（威尼斯、运河、楼房以及马勒的《第五交响曲》），我们可以说，这即是電影伟大的形式力量。 |
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最后一幕，波光淋漓的海水，塔齐欧的回眸，作曲家生命的结束，或许你不懂，但是我哭了。 |
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2016SIFF。就像观赏本片应该从音乐与色彩角度一样，在非故事性的叙述下，维斯康蒂给了剧中人和观众太多的「留白」与「自由」，如果把整个故事看做是追求「美」而不得的话，还是太过于世俗化。 |
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3.5 SIFF 爱与死的两种恐慌。大银幕上重温，美少年还是那个美少年，不可及的尤美雕像。Dirk Bogarde给角色注入的灵魂才可贵，多古典的人格哪 |
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此前我是托马斯曼吹，好了，从此往后我要做维斯康蒂黑。（删了我最爱的原作开头不能忍）#SIFF# |
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无言美少年选角太成功。风物长镜头带动的心理刻画是闷是骚是经典。 |
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那些美的瞬间，在你身上才有意义。 |
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对于美的执念，对于衰死的畏避，对于青春的渴盼。 |
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曼小说改编中十分成功的一次， |
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卧槽 |
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多年前看过，毫无耐心，心想什么鬼，全程快进看完，如今再捡起来，居然反复倒带重放，没有对白的地方看了又看，跟着心酸。果然有很多东西，只有活到了那个时间，才懂得其中滋味啊 |
